5 películas de fantasmas poco convencionales

El fantasma es un motivo común representado en el arte, la literatura y el cine. Un fenómeno transcultural, los fantasmas representan aquello de lo que los humanos tendemos a escondernos. Por supuesto, aquello de lo que nos escondemos depende del contexto de cada cultura. Lo que significa un fantasma en Japón, por ejemplo, no es lo mismo que un fantasma en el folclore nativo americano. Si bien la misión del fantasma depende de la situación, todos comparten la necesidad de revelar los misterios ocultos con su muerte.

En cada historia de fantasmas, hay muchos mecanismos y motivos visuales para mostrar el reino espiritual. Los reflejos de espejo, los cuerpos de agua e incluso el propio acto de filmar insinúan la presencia de lo sobrenatural. No es casualidad que estas imágenes compartan una intangibilidad emocional. Ya sea que nos recuerden un trauma, tiempos de guerra, crisis de identidad o dolor, son cosas en las que preferimos no pensar a diario. Son recuerdos y emociones que reprimimos.

Los fantasmas, como los detectives del mundo de los espíritus, tienen el deber de revelar las injusticias cometidas contra ellos o sus seres queridos. Ya no son miembros del mundo material, no tienen nada que perder desenterrando el pasado. Los fantasmas desobedecen las leyes de la naturaleza para resolver asuntos pendientes más allá de la tumba. Como justicieros, no respetan las leyes escritas en la Tierra y no se detendrán ante nada hasta que la verdad salga a la luz. El verdadero horror, entonces, no es la obsesión o la sombra de la muerte, sino lo que está reprimido debajo de la superficie.

Las historias de fantasmas cuentan hermosas historias de deseo y justicia. Luchan por un mundo fuera de la represión. Desafortunadamente, las gemas secretas del género fantasma se agrupan con las cursis. Pero no todas las historias de fantasmas se basan en saltos de miedo y tramas desarrolladas sobre una mujer que se cayó a un pozo o una muñeca antigua. Hay historias de fantasmas mucho más sutiles y profundas.

Aquí hay algunas de ellas:

1. Lago Mungo (2008, Joel Anderson)

En esta película de estilo documental australiano, el director Joel Anderson explora el abandono, la desconexión y la soledad. Cuando Alice Palmer, una adolescente desaparecida, es encontrada muerta en un lago, los miembros de su familia la lloran de diferentes maneras. A menudo, apartando la mirada de la cámara o tropezando con sus palabras, los personajes luchan por hablar cómodamente. A medida que se desarrolla la historia, comenzamos a ver cuán desconectada está la familia. Esto fue importante para Anderson. Les dio a los actores pocas líneas y una dirección vaga para que improvisaran. A su vez, las entrevistas parecen incómodas y sin ensayar.

Anderson también usa imágenes encontradas para crear un ambiente familiar tenso. Yuxtapone el metraje con entrevistas. En una escena, por ejemplo, vemos a Alice gritando a la cámara. Más tarde, en una entrevista con el padre, relata un momento en el que cree ver al fantasma de Alice gritándole. Anderson comienza a jugar con la memoria aquí, el elemento de prueba de película lo hace aún más confuso.

Si bien muchos han comparado Lago Mungo con Paranormal Activity, la película no se basa en fantasmas maliciosos sedientos de sangre. El horror de Lago Mungo es mucho más existencial. Anderson muestra esto con el arco de la familia, o mejor dicho, la falta de él. Al descubrir hechos inquietantes sobre la vida de Alice, la familia no hace nada al respecto. En lugar de enfrentarse al terror, lo reprimen aún más profundamente que antes. Anderson muestra esto con dos entrevistas finales devastadoras con Alice y su madre, que permanece ajena al temor de su hija.

2. Atlantics (2019, Mati Diop)

Un largometraje debut como director de la estrella de 35 Shots of Rum, Mati Diop, Atlantics une el mundo espiritual con el material. A primera vista, el romance parece simple. Ada y Souleiman, dos jóvenes amantes, tienen que ocultar su relación porque Ada ha sido prometida a un hombre mayor y más rico. Mientras tanto, Souleiman y sus compañeros de trabajo buscan el pago que les corresponde de un proyecto de construcción. Planean ir a España para buscar un mejor trabajo en España. Promete volver a buscarla una vez que regrese de su viaje. Ada no escucha una palabra y asume lo peor.

La ruta de Senegal a España es una ruta migratoria común en la actualidad. Es difícil entrar legalmente, por eso muchos viajan en barco a través del océano Atlántico. Diop, mitad senegalesa, emplea la imagen de las olas del océano a lo largo de la película. La misteriosa música sintetizada de Fatima Al-Qadiri acompaña a las olas del color del atardecer, inculcando una sensación inquietante. Muchos han muerto a causa de esas olas y, mejor aún, de las fronteras que cortan los pasos seguros a Europa.

Atlantics traspasa las fronteras de la tierra y el agua, el hombre y la mujer, el cuerpo y el espíritu. Con el uso de espejos y agua de Diop, sugiere la fluidez entre los personajes, ya sea que eso signifique poseer a los vivos para estar con sus seres queridos o formar uniones más allá de la tumba para que sus familias puedan recibir un pago.

Atlantics ganó el Gran Premio de Cannes en 2019. Al presentar Atlantics al festival, se convirtió en la primera mujer negra en estrenar una película en sección oficial compitiendo.

3. El espíritu de la colmena (1973, Víctor Erice)

El director español Víctor Erice describe la vida bajo la dictadura franquista, mientras Franco aún estaba en el poder. Por esta razón, la película hace referencias ambiguas y sugerentes para que pueda pasar la censura y ser filmada. Al hacer la analogía del apicultor con la colmena, lo que el padre es con la hija Erice expresa el control ineludible que sintió el pueblo español tras la guerra civil.

El espíritu de la colmena no nombra un fantasma específico, sino que muestra el inminente horror de la represión que enfrenta la joven protagonista, Ana. Al ver a Frankenstein por primera vez, reflexiona sobre la muerte sin sentido que ocurre en ambos lados. En última instancia, simpatiza con el monstruo, a pesar de que está condenado al ostracismo por su diferencia.

A medida que avanza la película, Ana comienza a desconfiar de su padre. Así como un apicultor mira de afuera hacia adentro, vigilando el comportamiento de las abejas, su padre la vigila. Erice lo demuestra con la claustrofóbica puesta en escena, imitando la estructura de una colmena.

El espíritu de la colmena cuenta la historia de un fantasma que todavía perseguía a muchas personas cuando salió. Ganó varios premios y se le permitió circular en el exterior, lo que fue bastante difícil durante el régimen franquista.

4. Tío Boonmee que recuerda sus vidas pasadas (2010, Apichatpong Weerasethakul)

Basado en el libro de 1983 del abad budista Phra Sripariyattiweti, Un hombre que puede recordar sus vidas pasadas, Apichatpong Weerasethakul reflexiona sobre temas de reencarnación. Mientras que la mayoría de las películas de esta lista tratan temas de represión, Weerasethakul está más interesado en lo que viene después de superar ese miedo. En una serie de planos generales, Tío Boonmee sumerge a la audiencia en el reino espiritual e inmaterial.

Tío Boonmee adopta una perspectiva hermosa y serena sobre la muerte. Esta tranquilidad se demuestra a través de la seriedad de los personajes al hablar, el movimiento fijo de la cámara y su motivo de sonidos de la naturaleza. Recordar sus vidas como otros animales además de ser humanos y comunicarse con su hijo a pesar de su forma no humana son algunos ejemplos.

En lugar de ser un evento finito y aterrador, Weerasethakul expresa el placer multifacético de morir, nacer de nuevo y pensar en el futuro, ya sea que haya humanos en él o no. La exhibición de videoarte de Weerasethhakul, Primitive, de la que Tío Boonmee es parte, expande y reflexiona sobre el universo espiritual que se muestra en el folclore y la cultura tailandeses.

Ganó la Palma de Oro en Cannes en 2010.

5. Mekko (2015, Sterlin Harjo)

El director Sterlin Harjo pinta un retrato abandonado de la vida de los nativos americanos en Tulsa, Oklahoma. Al tocar temas sociales como el alcoholismo, la prisión y la falta de vivienda, Mekko muestra el deseo puro compartido entre la comunidad nativa de regresar a sus tierras y forma de vida originales. Alternando entre voces en off habladas en muscogee e inglés para la acción diegética, Mekko identifica un espíritu malicioso, o más bien brujo, en su comunidad.

El cuerpo de la literatura y los medios de comunicación nativos americanos contemporáneos describe un mundo fantasma postapocalíptico. Teniendo en cuenta que la mayoría de los nativos americanos fueron asesinados en un genocidio o se vieron obligados a integrarse con la cultura estadounidense blanca, la memoria que guarda la comunidad se ha fragmentado, envenenado y destruido. Harjo transmite esta pérdida de memoria e identidad en sujetalibros, refiriéndose a la bruja que envenenó a la comunidad de Mekko y los obligó a evacuar, según cuenta su abuela. Aunque Mekko es oscura, deja a la audiencia con un final tierno y esperanzador que vale la pena ver.

Mekko ha ganado premios en TIFF, el Festival Internacional de Cine de Santa Fe y el Festival de Cine Indio Americano.